Films à l'affiche

On pourrait reprocher au film sa modestie, mais c’est justement cette modestie qui fait sa justesse. Donzelli ne cherche pas à « faire pauvre » ou à accentuer la misère. Elle filme la dignité dans la discipline, la cohérence dans le renoncement. C’est un cinéma tenu, droit, qui refuse l’emphase pour mieux laisser le spectateur éprouver l’addition des concessions. Un film de probité, à la fois modeste et nécessaire.

Le Bleu du Miroir

La relecture par Park Chan-Wook du Couperet de Costa–Gavras est d’une originalité débordante, à la fois comédie noire et satire sociale, spectacle réjouissant et cruel du début à la fin. Le film plonge à grande vitesse dans le délire de son personnage en réussissant le tour de force de la faire passer pour une évidence absurde. Il doit beaucoup à son comédien, Lee Byung-hun, dont la richesse du  jeu est proportionnelle à celle de la mise en scène : séquences opératiques où la musique surprend les dialogues, découpage insolite, raccords renversants : chaque plan termine avec une idée avant que le suivant ne commence par une autre. Devant une telle inventivité, on se dit que l’on est face au travail d’un grand artiste visuel.

Le Bleu du Miroir

Avec son humour burlesque, son esthétique pop et sa mise en scène décalée, Baise-en-ville dresse un portrait sincère et lumineux d’une jeunesse en questionnement : virilité douce, amitiés mixtes, liens familiaux et amours fugaces… Un film drôle, inventif et rafraîchissant, porté par un casting d’une justesse réjouissante.

Le Mag du Cinéma

Dans une succession de tableaux à la photographie soignée et poétique, alternant savamment images de fiction et remarquables archives qui offrent une matière bouleversante à son récit, le film raconte admirablement la rencontre d'une actrice avec son art et avec son siècle. Majestueuse et fragile à la fois, Valeria Bruni-Tedeschi irradie dans ce rôle de diva tourmentée.

Jarmusch fait son grand retour avec ce triptyque sur les liens familiaux. Il y décortique l’absence de communication et les non-dits en tissant entre ces 3 familles de 3 pays différents ponts, symboles et récurrences. Un casting royal et un film plein de charme et de poésie.

Abd al Malik s’appuie sur ce récit inspiré d’une histoire vraie et méconnue pour mettre en lumière les contradictions d’un système juridique qui proclame l’égalité mais refuse d’en appliquer les principes. Avec un casting de premier choix, et porté par une mise en scène qui prend le temps du récit et valorise la présence des personnages, le film interroge ce que signifie un droit vraiment universel et touche à la fois par son souffle et la portée universelle de son message.

Créée en 1985, la production, par Peter Wright, de ce ballet romantique typique du genre est un classique du répertoire du Royal Ballet. Porté par la musique évocatrice d’Adolphe Adam, dans des décors suggestifs conçus par John Macfarlane, Giselle dépeint les royaumes matériel et éthéré dans un monde où se mêlent amour, trahison et rédemption.

Gourou est un film captivant porté par une mise en scène maîtrisée et une interprétation remarquable de Pierre Niney, offrant une immersion intense dans les mécanismes de la manipulation humaine. Un drame psychologique qui marque par sa force dramatique et son impact émotionnel. 

Usant de flashs soudains, égrenant les indices, jouant avec les sons venant d’une bouche d’aération ou d’oreillettes abîmées par une chute, le long métrage nous fait osciller en permanence dans un jeu du « qui manipule qui », laissant au spectateur le choix d’interpréter lui aussi coïncidences et détails troublants. Un thriller de bonne tenue incarné avec fougue par un Pierre Niney rarement aussi convaincant.

Abus de Ciné

Le récit de Julian est tout sauf linéaire. Le film s’applique à retranscrire le labyrinthe de la mémoire, où chaque allée dissimule une porte vers un nouveau souvenir, où le récit progresse par association d’idées plus que par une succession de causes et de conséquences. Si l’amour de Fleur et Julian est un amour militant, sûr de sa capacité à changer le monde, le film ne se focalise pas que sur le combat politique des deux femmes, mais sur l’amour comme puissance motrice, jusque par-delà la mort.

Pied de nez aux comédies romantiques, jamais mielleux ni caricatural, Jusqu’à l’aube est une grande et belle histoire d’humanité. La performance délicate des acteurs et la mise en scène aérienne de Shō Miyake contribuent à faire du film une exploration touchante des défis du quotidien et de la force des liens qui nous unissent. La pellicule granuleuse et richement texturée du 16mm magnifie la palette automnale de la photographie : l’univers semble infini à travers sa lumière. Un film contemplatif et poétique, délicat et doux, sur ce que pourrait être notre monde s’il était rempli de compassion plutôt que de colère et de haine.

Site d’Hanabi

L’intrigue offre une immersion fascinante dans les techniques artisanales d’un véritable artiste de la contrefaçon menant une périlleuse double vie (Reda Kateb intense et magnétique). Enjambant avec une grande facilité les obstacles du film d’époque, le film se déploie sur une vingtaine d’années, parfaitement rythmé et structuré autour du jeu de chat et de la souris auquel se livre le faussaire et le tenace policier (Bastien Bouillon, toujours impeccable).

CinEuropa

Artisan du souvenir, le cinéaste bricole avec les images d’hier, les siennes et celles des autres, un film qui nous rappelle, nous spectateurs, à nos histoires et à nos proches. Un film tendre, souvent drôle, qui nous promène entre fiction et documentaire en nous rappelant que oui, le cinéma c’est encore et toujours de la vie !

Site de l’AFCAE

Le réalisateur Vincent Munier délivre la poésie du monde sauvage en “réveillant le feu de l’émerveillement qui sommeille en nous tous.” Aux côtés de ces trois “veilleurs de lune”, guidé par l’émotion des images, le monde sauvage s’anime sous nos yeux. Une immersion visuelle et sonore fascinante, vécue comme une parenthèse dépaysante.

À hauteur d’enfant, le film raconte l’absurdité de la propagande, la brutalité du totalitarisme dans une société fracturée. Mais loin de se laisser enfermer dans le registre de la tragédie, il trouve sa singularité dans sa poésie, son humour discret et son art d’ouvrir des échappées sensibles au cœur même de l’horreur. La quête du gâteau devient alors la métaphore d’un monde où l’endoctrinement se glisse jusque dans les gestes les plus quotidiens. Entre réalisme cru et éclats de poésie, humour tendre et tragédie implacable, Le Gâteau du Président fait entendre une voix rare, capable de faire surgir la beauté et l’espoir au milieu des ruines. Une œuvre fragile mais puissante, où le cinéma devient acte de mémoire et d’insoumission.

Le Bleu du Miroir

Mis en scène avec une très grande maîtrise et dans un déploiement impressionnant de décors dynamisant les jeux politiques irriguant l’intrigue, le film regorge de détails sans jamais perdre son fil conducteur. Une profusion gérée au rythme d’un thriller d’auteur palpitant (virant de la comédie noire aux échos dramatiques résonant cruellement avec le conflit actuel) pour un impitoyable théâtre d’ombres et de masques.

CinEuropa

Un film malicieux et émouvant, sorte de pendant documentaire du Cinema Paradiso de Tornatore, avec ce même désir chevillé au cœur de célébrer le septième art et surtout l’impact que peut avoir le cinéma sur les vies de chacun, cinéphile pointu comme profane absolu. Le tout en 80 minutes menées sans temps mort et fourmillant tant d’idées et de rebondissements qu’on se croit régulièrement au cœur d’une fiction, imaginée par la crème des scénaristes.

Première

Voix off lancinante, plans symboliques, images pénétrantes, idées de mise en scène saisissantes… ce voyage habité par une étrange poésie tragique intrigue, fascine, envoûte, bouscule et interroge.

Mondociné

À la fois drôle et émouvante, solaire et politique, cette comédie féministe et résolument inclusive se hisse parmi les belles réussites récentes du cinéma français sur l’enfance et la jeunesse.

Le Bleu du Miroir

ll y a du théâtre et de la tragédie antique dans cette histoire, et Pascal Bonitzer ne s’y est pas trompé, en choisissant des interprètes essentiellement issus de la scène avec, au centre, Denis Podalydès qui prête sa verve et sa malice au commissaire Maigret, avec sa détermination aussi vive que son esprit, son verbe incisif et sa normalité joyeuse. Ce qui fait du bien également, c’est cette sensation de glisser, le temps d’un film, dans une bulle hors du temps, loin du fracas du monde, de sa course assommante à la modernité, et de voir à l’œuvre l’intelligence, la profondeur du récit et l’incroyable vitalité de ses personnages. 

Utopia

Comme dans Uncut Gems, l’objectif de Josh Safdie est de porter l’individualisme américain à son extrême, jusqu’à un point de rupture. L’excès filmique devient alors une critique par l’ironie des dérives du rêve américain faisant de la réussite sociale une simple question de volonté. Marty Supreme exploite le dévouement et la conviction de Chalamet, son énergie verbomotrice qui fait fuser les répliques et son sens aiguisé du spectacle de soi. Il en résulte une œuvre exaltante, drôle, imprévisible dans ses tours et détours et ses changements de ton ; en somme, l’un des spectacles les plus réjouissants de l’année.

Revue 24 images

C’est l’un des moments les plus marquants de notre histoire en tant que Palestiniens. Il pose les bases de tout, absolument tout ce qui suivra. On ne peut comprendre notre histoire récente ou la situation actuelle sans comprendre comment le décor s’est installé à cette époque.

Annemarie Jacir

Un contre-western en forme de fable excentrique qui inverse joyeusement les codes du genre et en propose une relecture rafraichissante et féministe portée par la talentueuse Nadia Tereszkiewicz.

Issue du documentaire, Erige Sehiri (La Voie normale) explore depuis Sous les figues le réel à travers la fiction pour donner corps à des existences invisibilisées. Au plus près de ses personnages, incarnés par un remarquable trio d’actrices, elle saisit leurs joies et rires libérateurs dans ce contexte de précarité et de répression qui les menacent. L’intelligence du scénario qui fait monter la tension, la remarquable photographie qui enveloppe le récit de nuances bleutées et le mélange du réel et de la fiction incarné par un casting mêlant comédiens professionnels et amateurs permet au film de dépasser le cadre de son propos pour se muer en ode vibrante à la persévérance et la sororité.

Soulèvements requinque. Le nouveau film de Thomas Lacoste brosse le portrait bouleversant d’une jeunesse portée par l’amour de la nature. C’est un film d’amour, une déclaration à tout ce que la nature compte de précieux : arbres, vaches, montagnes, oiseaux, glaciers et ajoutons l’eau, bien sûr… Le film donne l’impression d’une source qui jaillit, limpide et claire. Le bonheur de ces jeunes gens, certains d’avoir trouvé l’endroit exact qui fait sens pour eux, nous contamine. En filigrane, ils et elles disent : quand on aime, on peut. Des pistes et des ponts se dessinent pour cette jeunesse qui veut déplacer des montagnes sans toucher à un arbre. 

Le Monde

À travers le prisme des lois islamiques sur l'héritage, Thank You for Banking with Us offre une critique perspicace, teintée d'humour noir, de la rigidité de la bureaucratie islamique et des structures patriarcales qui imprègnent profondément la société palestinienne.

Kelly Reichardt poursuit ici sa passionnante entreprise de déconstruction des mythes de cinémas américains. Avec une science consommée de la mise en scène et du contretemps, elle nous livre un faux film de braquage magistralement porté par Josh O’Connor, un “beautiful loser” sublime de désinvolture.